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Diálogos de Taller 3 Jorge Abot entrevista a Eduardo Bonati. Diario Educación. Publicación de la Organización de Estados Iberoamericanos para la Educación, la Ciencia y la Cultura. Madrid, abril de 1987.   Eduardo Bonati es un chileno que ha tenido largos y duros años de búsqueda de una integración que parece no llegar nunca, largos y duros años donde se trata de volver a construir, a empezar de nuevo, a lamer heridas nunca cerradas. Largos años en los que se trata de recuperar el equilibrio perdido. Estudios: Facultad de Bellas Artes. Santiago de Chile. State University of Iowa. Iowa, E.E.U.U. Becas: Beca Fullbrigth. E.E.U.U. 1959-1960. Beca Guggenheim.E.E.U.U. 1964-1965/1968. Docencia: Profesor de la Cátedra de Grabado. Facultad de Bellas Artes. Universidad de Chile. 1955-1975. Profesor de Elementos Básicos de la Plástica. Facultad de Bellas Artes. Universidad Complutense de Madrid, desde 1982. Coordinador Talleres de Arte Actual Círculo de Bellas Artes de Madrid. 1983-1984. Exposiciones: 1962-1964. Exposición Grupo Signo. Sala Darro. Madrid. Salón de Mayo. 1962. Barcelona./ Grupo Signo. Museo de Arte Moderno. Barcelona. Arte Latinoamericano en París./ Bienal de Córdoba. República Argentina. / Pintura Sudamericana de Hoy. Caracas, Venezuela./ Pintura Sudamericana de Hoy. Bogotá, Colombia./ Pintura Chilena. Bienal de Arte Joven. París./ Iowa Prints Group. Des moines, Iowa. E.E.U.U./ Homenaje a Boris Pasternak. Biblioteca del Congreso. Washington D.C.E.E.U.U./  PINTURA Chilena, Bienal de Arte. México./ Sudamerikanishe Malerei. Bonn. República Federal Alemana. Gódula Bucholz./ Bienal de Sao Paulo, Brasil./ Selección de Pintura Chilena. Washington. D.C. E.E.U.U. 1964-1967. Sudamerikanishe Malerei der Gegenwart. Berlín. República federal Alemana. Gódula Bucholz./ Bienal de Grabado. Tokio, Japón./ Betina Gallery. New York, E.E.U.U./ 20 Artistas Sudamericanos. Selección de Lawrwnce Alloway, Paul Mills y Robert Wool. Interamerican foundation for the Arts, E.E.U.U./ Grabadores Chilenos. México./ Muestra Casa de las Américas, La Habana, Cuba./ Grabadores Chilenos. Instituto de Cultura Hispánica. Madrid, España./ grabadores Chilenos. Varsovia, Polonia. 1967-1975. En este período trabaja preferentemente el Arte Incorporado al contexto visual del medio ambiente urbano. Mural de hormigón visto, 160 m2. INACAP. / Depósito de Agua, 20 mts. De altura. SUMAR. Santiago./ Mural de hormigón visto 70 m2. Auditorio facultad Agronomía, Universidad de Chile./ Mural en mosaico de vidrio. 300 m2. paso inferior Santa Lucía. Santiago. Trabajo en equipo con Carlos Ortúzar e Iván Vial./ Mural en hormigón visto. 70 m2. Centro de Investigación Nuclear. La Reina, Chile./ Mural en Placas de Madera. UNCTAD III. Torre, santiago. 1975-1977. Exposición  14 artistas Chilenos. Galería Ovidio. Madrid./ Tríptico en tela. Mural Cifca. Naciones Unidas, Madrid./ Exposición Artistas Chilenos en el Exilio./ Exposición André Malreaux. Reims, Francia./ Exposición Galería Skira. Madrid. 1978-1984. Exposición Galería Joan de Serrallonga. Barcelona./ Exposición colectiva Fundación Joan Miró./ Exposición Fundación Migros, Lausanne. Suiza./ Exposición colectiva en Galería Juana Mordó./ Exposición colectiva en UNESCO./ Los artistas con los Derechos Humanos. Madrid./ Homenaje a Picasso. Galería Skira. Madrid./ Seis Artistas Americanos. Galería Yguanzu. Madrid./ Exposición Dibujos y Acuarelas. Centro de Arte de Maracaibo. Venezuela./ Dibujos y Pinturas. Galería Época. Santiago, Chile./ Exposición Homenaje a Pablo Neruda. Barcelona./ Exposición Museo Haydé Santamaría. La Habana. Cuba.   - En el año 1975 dejaste Chile. ¿Viniste directamente a Madrid? - Sí, yo me vine directamente a Madrid…De todas las cartas escritas, sólo recibí una respuesta: la de un buen amigo mío que residía en Madrid, el arquitecto Medina, quien me adoptó durante tres meses, ya que yo era un paquete humano, no tenía ninguna volición. Igual hubiera fregado pisos, pintado paredes, lavado platos por el resto de mis días. Había sufrido mucho, sin ser consciente de ello. Yo creía estar sano, pero estaba muy enfermo. - ¿Cómo saliste adelante? - Se me fue quitando de a poco, y se me quitó pintando. Empiezo a pintar nuevamente por el 76, como a los seis meses de estar aquí. Y lo hice por pintar, porque me gusta pintar. Yo en Chile trabajaba en equipo con un grupo de arquitectos en planteamientos que trataban el paisaje urbano, el contexto visual del medio urbano, el diseño de plazas, por ejemplo. Estaba también muy preocupado por el arte serializado. Pero nada de eso podía trasplantarlo aquí, a un entorno desconocido y sin el menor contacto con sus gentes. Te diré también que se me había muerto en mí el interés por este tipo de tareas. En ese momento mi interés pasaba solamente por inhalar y expeler, por disfrutar el estar vivo. Volví a pintar. Y empecé por pintar cuadros del siglo XIX y así como dos años, hasta que poco a poco fui sacando la nariz al siglo XX. Trabajé mucho tiempo en negro y blanco, no toleraba el color, fue una etapa de monstruos, de ejecución violenta, pero monstruos, sólo monstruos. Luego apareció el humor, negro todavía, pero apareció el humor. Fue cuando me di cuenta que iba sanando. Me aislé buscando seguir un periplo interior. Siete años sin mostrar, absolutamente aislado, pero evidentemente necesitaba encontrarme. Encontrar mi propio fondo. Expongo recién en el 83 en Maracaibo y en el 84 en Santiago, a donde pude volver. Todos estos años trabajé sin cesar, investigando, buscando la total libertad. Buscando el placer de pintar con todo el cuerpo, buscando liberar totalmente el gesto, el movimiento. Tratando de encontrar un movimiento continuo, trascendente, desde mi interior. Que las herramientas que utilizara no interrumpieran el gesto que estaba dentro, que salía de mí. Algo he conseguido, en el sentido de que es el movimiento el que se transforma en realidad plástica formal y no la pintura la que expresa una idea de movimiento. - Hace un momento hablaste de un necesario aislamiento, que por un lado, a parece como decisión tuya, y por otra, se me ocurre, como no tan voluntario. Esta necesidad de aislamiento se dio más o menos en casi todos los que por las razones que fueran se vieron emigrando de sus países. Te digo eso de acto voluntario como no tan voluntario, porque este tipo de situaciones muchas veces tiene que ver con enfermedad. Uno se aísla porque no se soporta, o porque todo lo de afuera te angustia, te provoca inquietud. Incluso sin haber pasado por experiencias como la tuya, el simple hecho de comparar tu trabajo con el trabajo que encontraste por aquí, como lo hacías y como se hace, te lleva a reflexionar sobre tu propia manera de hacer. - Yo estaba asombrado de ver que había colegas que seguían pintando exactamente como lo hacían en Chile. No podía entender que una persona pudiera seguir siendo igual y por lo tanto pintando igual. Para mí que pintaran igual era como una continuidad demasiado evidente, como si la pintura fuera un vicio a pesar de. Para entender lo que a mí me sucedió, te diría que he llegado a pensar si yo no me morí realmente. Y te diré que en lugar de reencarnarme, soy testigo de vivir una segunda vida. Segunda vida en que, tengo memoria de la anterior, usufructo de ella en relación a ciertas cosas que he desarrollado, pero en la que no me interesa el personaje anterior, no quiero volver a la otra vida. Me interesa la actual, y en realidad no puedo modificar la anterior. Exactamente como si se tratara de una reencarnación, pero con la diferencia que yo la recuerdo. En la pintura no hubo nostalgia, empecé de cero. Lo que sí hice fue tratar de recuperar y de rehacer mi equilibrio como persona incorporada a un medio a través de la pintura y de la docencia. He recuperado ese espacio. En Chile realicé programas más o menos ambiciosos con respecto a transformar la realidad cultural. Aquí también lo he intentado. - ¿Por ejemplo? - La creación de la metodología de trabajo de los Talleres de Arte Actual, en el Círculo de Bellas Artes de Madrid como en Las Palmas de Gran Canaria. Son problemas que he resuelto, como si los hubiera resuelto en otras circunstancias. Es como una naturaleza que uno tiene y que lo lleva a intentar cosas sin poderlo evitar. Yo creía que se me había muerto el boyscout  voluntarioso y descubrí que no, lo que me molesta. Yo quisiera dejar de lado ese personaje, ese constructor inútil, bien intencionado, que no se fija ni se mide en relación al esfuerzo y al ambiente en que lo está dando. En eso no hay cambios. - Pero sí hay cambios en tu imagen, en tu modo de expresarte plásticamente. - Mira, yo creo que por fin todos los intereses que yo tenía y de lo más diverso porque me he preocupado por estudiar desde el pensamiento oriental hasta la cocina vegetariana, desde la tecnología y su desarrollo hasta el pensamiento ocultista, hasta la genética o la ecología, están confluyendo en un solo punto. Y me doy cuenta que esa respuesta central estaba dentro de mí. Siento que en estos momentos tengo una idea de totalidad. No siento contradicciones entre lo que pienso, lo que siento y lo que pinto, y esta sensación de logro es la que trato de cuidar como si estuviera en un embarazo. Por eso me revelo contra ese constructor inútil del que te hablé o contra la cotidianeidad que me quita tiempo para desarrollar y vivir ese centro encontrado. Y con respecto al medio. Te diría que el medio español es bastante difícil. En Italia hay un mercado del arte donde el oficio de pintar es altamente considerado. Hay un medio más sencillo, al igual que el francés. Los franceses cuando encuentran una obra seria, consistente, se vuelcan con el pintor. Acá te reciben con los brazos abiertos, pero no los cierran. El extranjero queda abrazado pero no acogido. Esto es muy español, muy latinoamericano. Los españoles en Latinoamérica tuvieron que luchar a brazo partido para hacerse de una posición. Hemos tropezado acá con un rebote de nuestra propia imagen. - Me gustaría que me comentaras una frase de Picasso a propósito del éxito: - ¡El éxito es muy importante! Se ha dicho muchas veces que un artista debe trabajar para sí mismo, por “amor al arte”, despreciando el éxito. ¡Es falso! El artista necesita el éxito. Y no sólo para poder vivir, sino, sobre todo, para realizar su obra. Incluso un pintor rico debe tener éxito… Pero, ¿quién ha dicho que el éxito deben acapararlo los que halagan el gusto del público? Yo quería demostrar que se puede tener éxito en contra de todos, sin transigir. Es cierto. Miró dice lo mismo. No al éxito como fin, sino que gracias al éxito él pudo hacer grabados, cerámica, escultura. El éxito te permite recorrer en diez años el camino de veinte. Si estás limitado económicamente, apenas puedes hacer una obra sostenida. El éxito te permite producir constantemente sin limitación de elección de medio. - Otra del bueno de Picasso: “hay que doblar cuidadosamente la realidad objetiva, como se dobla una sábana, y guardarla en un armario de una vez para siempre”. - Hay un problema de lenguaje. La realidad nunca puede ser objetiva. Si él lo dice en ese sentido estamos de acuerdo. Hay una subjetividad. No se puede afirmar que la contemplación de una realidad parte de un punto neutro, cero. Hay una mirada subjetiva. Si Picasso se refiere a la objetividad del objeto allí, en sí, también se refiere a una abstracción. Picasso está planteando y esto interpreto yo que lo que hay afuera o lo que hay adentro, son motivantes para esa cosa que es la pintura. Mira, el viejo André Lohte, que es muy cómico, en su librito “El tratado del paisaje” es certeramente equivocado. Él dice, por ejemplo: nunca más en la historia del arte podrá pasar…tal cosa. Bueno a los veinte años ocurrió exactamente lo contrario. Él hace cinco o seis predicciones en su libro del tipo: nunca más… o…el arte siempre será así…Bueno, todo lo que propone, predica, se va al traste y ocurre todo lo contrario. En arte lo sabio es no usar nunca palabras siempre o nunca. Porque nunca o siempre pasarán las mismas cosas. Todo va cambiando…hasta el acto de “plegar la realidad y meterla en un armario…”. A mí lo que me extraña es que sigamos pintando. Tiene que ser muy rico pintar. Con este grado de desarrollo tecnológico, cómo es posible que sigan existiendo personas como nosotros que se dedican a pintar, que seguimos pintando o creando con los mismos modos y materiales de siempre. Tiene que haber algo muy delicioso en lo que hacemos que hace que lo sigamos haciendo.